Con “L’Odissea” , lo sceneggiatore e regista Christopher Nolan e i suoi collaboratori (la moglie e produttrice Emily Thompson, il direttore della fotografia Hoyte van Hoytema, la montatrice Jennifer Lame, il compositore Ludwig Göransson e l’incredibile cast stellare guidato da Matt Damon, Anne Hathaway e Tom Holland) hanno superato ogni aspettativa, sfruttando appieno i loro punti di forza nel combinare grandiosità e sentimentalismo. Appena finito, ho subito desiderato rivederlo. È una storia antica quasi quanto la nostra stessa concezione del tempo, che comunica temi come la dedizione e il sacrificio e, soprattutto, le debolezze dell’eccessiva fiducia nella premonizione e nella profezia quando si ha la possibilità di scegliere il proprio destino. È un film che si interroga su dove risiedano il dovere e la fedeltà e sul perché creiamo regole e strutture che racchiudono al loro interno le cause della loro rovina.
Il film segue Ulisse (Matt Damon), il re guerriero e astuto di Itaca, nel suo lungo viaggio di ritorno dalla guerra guidata da Agamennone (Benny Safdie) per ricongiungersi con Elena (Lupita Nyong’o), moglie di suo fratello Menelao (Jon Bernthal). Decenni dopo la partenza di Ulisse, sua moglie Penelope (Anne Hathaway) e suo figlio Telemaco (Tom Holland) si ritrovano a casa a dover fronteggiare pretendenti avidi (capeggiati da Antinoo, interpretato da Robert Pattinson, e Polibo, interpretato da Corey Hawkins) che bramano la moglie e la patria. Eumeo (John Leguizamo) e Mentore (Ryan Hurst) aiutano Telemaco a guidarlo e proteggerlo. Euriloco (Himesh Patel) cerca di fare lo stesso per Ulisse, in qualità di suo secondo in comando. Elliot Page è fondamentale nel ruolo di Sinon, un soldato itacono il cui ricordo tormenta Ulisse. Anche Samantha Morton, Zendaya e Charlize Theron compaiono tra le guide e i tormentatori di Ulisse.
Nolan, Van Hoytema, Lame e Göransson (l’esperto di temi epici, anche se non sono ancora sicuro che questo sia all’altezza di Oppenheimer ) trasmettono brillantemente caos, pericolo e paura. La gravità del viaggio di ritorno è opprimente, il pericolo tangibile attraverso incontri mostruosi e la costante ira di divinità silenziose che si esprimono attraverso il mondo naturale. Tutto ciò che è stato tradotto o reinterpretato dall’epica si manifesta con vigore, comprese le raffiche di vento e i temporali ripresi dalle telecamere IMAX, che esprimono l’ira degli dei del mare e del cielo, ricordandomi un’estrapolazione mitica della scena di navigazione di Tenet .
Le sequenze d’azione più fluide e ben coreografate, volutamente caotiche, vengono riproposte per focalizzare l’attenzione sulla loro brutalità e spietatezza; i mezzi utilizzati offrono ai personaggi e al pubblico ulteriori motivi per interrogarsi sul fine. La messa in scena e l’illuminazione del saccheggio di Troia conferiscono al momento un’aura poetica e tragica.
Le interpretazioni sono sincere, i fugaci momenti di sollievo comico sono meritati e autentici, rispecchiando la disperazione e l’esasperazione che li generano. L’amore tra Ulisse e Penelope è palpabile, così come la sua resilienza mentre si trova in una posizione precaria come regina, con la volontà di guidare in un sistema che vorrebbe che lei obbedisse.
L’Odissea è un’interpretazione moderna di una storia già vecchia di centinaia di anni quando fu trascritta oltre 2000 anni fa. Questa storia è diventata fondamentale per la tradizione “occidentale”, per quanto anacronistico e impreciso possa essere applicare tale termine al popolo e al periodo da cui l’Odissea è nata. L’estraneità stessa della Grecia micenea rispetto a noi è trasmessa dalla sua vastità attraverso una varietà di location (Grecia, Marocco, Italia, Islanda, Scozia e Stati Uniti) e dalla diversità del cast, mettendo in discussione i preconcetti moderni sull’identità antica, a loro volta basati sulla politica euro-americana del XVIII e XIX secolo . È quasi superfluo dire che fascisti e liberali troveranno molto materiale da cui attingere per i propri progetti politici; vale la pena considerare cosa la sinistra possa imparare e utilizzare da tale immaginario e immaginazione.
Il cast eterogeneo contribuisce all’atmosfera quasi teatrale del film, alla sua comunicazione metatestuale di atemporalità e al suo adattamento dell’antica storia ai tempi moderni. Questo viene inoltre espresso attraverso dialoghi sull'”età del bronzo” e sulla grandezza della loro “civiltà”, nonché sulla consapevolezza del declino imminente della civiltà stessa.
Basandosi principalmente sulla traduzione del poema di Emily Wilson (la prima traduzione integrale in inglese realizzata da una donna, nel 2017; in pentametro giambico), il dialogo si sforza di essere leggibile e comprensibile. Non ricorrendo ad approssimazioni dell’inglese moderno, si fonde ulteriormente l’antico e il moderno, così come la combinazione di un’estetica prevalentemente antica e occasionalmente medievale contribuisce a trasmettere la continuità della storia mitopoietica e mitologica dall’antichità al presente.
Verso la fine, il film offre potenti risvolti emotivi e intellettuali, alimentando i semi di mistero e minaccia seminati a lungo. Allo stesso tempo, non si dilunga a spiegare le origini di tutto ciò che affligge Ulisse e i suoi uomini. Il ciclope che divora i soldati nella scena della caverna, accompagnato da musiche e sonorità inquietanti, la strega che li trasforma in maiali, in un’incursione del film nell’horror corporeo, e le mostruosità striscianti che li strappano dalla barca: si tratta di traumi soprannaturali e anormali che si aggiungono ai traumi terreni già subiti. Interpretando il film in modo meno benevolo, si potrebbe considerarlo semplicemente un altro inno al dolore dei soldati dopo aver invaso una terra straniera e averne massacrato la popolazione. C’è anche questo aspetto, ma se vogliamo trarne una lezione per la modernità, il tema centrale è l’inumanità stessa di tali guerre.
